En este episodio les presentamos la historia de Edvard Munch, el artista que pintó "El Grito" la segunda obra más famosa del mundo, después de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.
"El Grito" es una imagen universal que representa la angustia y el horror. La hemos visto satirizada en todas partes y es tan popular que inclusive existe un emoji con el mismo gesto. Aunque al pintor noruego Edvard Munch, lo conocemos casi exclusivamente por ésta obra de arte, en realidad él fue uno de los artistas más prolíficos e innovadores de su tiempo.
Quédense con nosotras, porque en este episodio les contamos su historia, así como la de varias de sus obras por medio de las cuales expresó sus sentimientos y su realidad. Bienvenidos!
La música original de este episodio es de Alejandro Ferrer, nuestro tema principal fue creado por Ilan Blanck.
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Bibliografía
Dr. Beth Harris and Dr. Steven Zucker, "Fernand Khnopff, I Lock my Door Upon Myself," in Smarthistory, August 9, 2015, https://smarthistory.org/khnopff-i-lock-my-door-upon-myself/. [acceso en linea 19 de enero, 2022].
Julieta Sanguino en Cultura Colectiva, https://culturacolectiva.com/arte/pinturas-para-la-locura-y-las-obsesiones-de-edvard-munch [acceso en linea 23 de enero, 2022].
Dr. Noelle Paulson, "Edvard Munch, The Scream," in Smarthistory, August 9, 2015, accessed January 23, 2022, https://smarthistory.org/munch-the-scream/.
Metropolitan Museum of Art, https://www.metmuseum.org/art/collection/search/340029 [acceso en linea 18 de enero, 2022].
Museum of Modern Art, https://www.moma.org/collection/works/80644 [acceso en linea 22 de enero, 2022].
Munch Museum https://munchmuseet.no/en/munch [acceso en linea 19 de enero, 2022].
Museyon http://www.museyon.com/sex-blood-and-symbolism-the-shot-that-made-edvard-munch-scream/ [acceso en linea 19 de enero, 2022].
Smithsonian https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/edvard-munch-beyond-the-scream-111810150/ [acceso en linea 20 de enero, 2022].
Tate https://www.tate.org.uk/tate-etc/issue-25-summer-2012/soul-laid-bare [acceso en linea 18 de enero, 2022].
The British Museum https://www.britishmuseum.org/exhibitions/edvard-munch-love-and-angst [acceso en linea 18 de enero, 2022].
The British Museum
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NATANYA
¿Cuál es la pintura más famosa del mundo?
MARTA
La Mona Lisa
NATANYA
Ok,
MARTA
OK ahora voy yo: ¿cuál es la segunda más famosa?
NATANYA
Sin duda El Grito.
Todo el mundo la ha visto. Es una imagen universal que representa angustia y horror. La hemos visto satirizada en todas partes y es tan popular que inclusive existe un emoji con el mismo gesto. Pero a su autor, el noruego Edvard Munch, lo conocemos casi exclusivamente por medio de esa imagen aunque fue en realidad uno de los artistas más prolíficos e innovadores de su tiempo. sale música ( fade out )
Por eso es que hoy en HDAP les contamos acerca de él y su expresiva obra.
MARTA
Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en Kristiania la capital de Noruega que años después, en 1925, adoptó el nombre de Oslo. Fue el segundo hijo de Christian Munch, un médico militar, muy religioso y de su esposa Laura Cathrine Bjølstad a quién había conocido cuando estudiaban en la universidad. Desde niño Edvard fue muy enfermizo, sufría de bronquitis, angustia, pánico, y mucho más tarde alcoholismo. Aunque su pronóstico de vida indicaba que no llegaría a la adolescencia, el artista vivió hasta los 80 años. Sin embargo esa no fue la suerte de muchos de los miembros de su familia. Su mamá murió de tuberculosis cuando Edvard tenia 5 años, entonces la tía Karen, hermana de su mamá, se convirtió en la encargada de criar a sus sobrinos y llevar la casa de su cuñado viudo. Cuando Edvard tenía 13 años su hermana mayor Sophie, falleció víctima de la misma enfermedad. Años más tarde, el artista expresó sus sentimientos acerca de estas terribles pérdidas por medio de sus obras.
Su familia gozaba de buenos contactos en el mundo académico. Por ejemplo uno de sus primos fue el fundador de la Real Escuela de Arte y Diseño y una estatua dedicada al hermano de su padre, un importante historiador, se encontraba en la Universidad de Oslo. Edvard estudió un año en la facultad de ingeniería, pero pronto decidió que quería dedicarse enteramente al arte. A pesar de la oposición de su padre, el joven se inscribió en la facultad de arte y 2 años después rentó un estudio junto con varios amigos. Uno de sus primeros profesores fue Christian Krohg, un famoso pintor de escenas rurales en estilo naturalista, es decir que sus obras eran muy fieles a la realidad, casi exactas, como si estuviéramos viendo una fotografía de la escena, donde los objetos, en sus colores naturales, están pintados en pinceladas homogéneas e imperceptibles.
NATANYA
Las primeras obras de Munch siguen la influencia de su maestro, pero poco después empezó a desarrollar un estilo muy propio. Un ejemplo es La niña enferma, de 1886. Hoy en el Museo Nacional en Oslo, la obra fue descrita por el mismo artista como su despedida a la pintura naturalista.
En ella aparece la criada de la casa en el papel de la niña enferma, en cama, recostada en una gran almohada blanca sobre la que resalta su cabello rojizo y su rostro muy pálido. Su camisón y la cobija que la cubre están pintadas en tonos verdes. Podemos ver medicamentos sobre una cajonera que está a su derecha y en una mesita a sus pies. Del lado izquierdo de la cama aparece la que sería la madre de la niña enferma, pero que en realidad fue personificada por la tía Karen. Ella aparece vestida de negro, con la cabeza baja y tomando a la niña enferma de la mano. Es una escena muy triste que sin duda representa los últimos días de su hermana Sophie.
Lo que causó revuelo no fue el tema de la obra, ya que hacer retratos de personas gravemente enfermas, sobre todo de niños, era bastante común en ese tiempo, porque llegaba a ser la única y última imagen de la persona, si esta llegaba a morir.
La obra de Munch llamo la atención por la manera en la que estaba pintada, aquí sí se notan las pinceladas todas distintas y parecen desorganizadas. Unas son gruesas y cargadas de óleo, mientras que otras son tan delgadas y faltas de pintura que resultan casi transparentes. Con esta falta de refinamiento, da la impresión de que la obra no está terminada y nos obliga a notar sus propiedades físicas y cómo está hecha. Es decir, notamos de inmediato que lo que estamos viendo en pintura, es una interpretación, y no una copia fiel, de la realidad. Estas características la hacen muy distinta a las obras de sus maestros y sus colegas. Y al mismo tiempo, la convierten en una obra más personal, más expresiva. La pintura verde parece chorrear de las paredes, las manos de la niña y la madre parecen fundirse en una sóla. Claramente, no le interesaba pintar la realidad, lo que buscaba comunicar con su obra era la intensidad de nuestros sentimientos.
MARTA
Estas características están perfectamente alineadas con el SIMBOLISMO que fue un movimiento artístico de finales del siglo XIX. Entre sus representantes se encuentran, además de Munch, el austriaco Gustav Klimt y el francés Gustave Moraeau entre otros. Aunque el estilo de sus obras sea distinto, todos ellos como simbolistas, trabajaron para distanciar su obra del Impresionismo, que consideraban demasiado preocupado por la vida moderna y su materialismo y decidieron en vez, producir arte que resultara sugerente y evocador, capaz de comunicar sentimientos abstractos por medio de composición, forma y color.
NATANYA
Una de nuestras obras favoritas es La tormenta, de 1893 hoy hace parte de la colección del MoMA. La escena está situada en un pueblo de pescadores donde Munch solía pasar los veranos. Las ventanas de las casas aparecen iluminadas y la calle vacía. Un pequeño grupo de mujeres vestidas en colores oscuros están cerca de la orilla del mar en la parte inferior izquierda del cuadro. Es posible que sean las esposas, madres o hijas de los pescadores que han salido en la tormenta. Obsérvenlas con atención. Sus pequeños cuerpos ondulantes parecen estar pintados con un solo trazo y en sus caras no podemos discernir boca, nariz, ni ojos. Lo que sí podemos ver cláramente es que todas ellas se llevan las manos a los oídos, en un gesto idéntico al de El Grito, quizás para no oír el viento ensordecedor que dobla las ramas de los arboles y hace ondear su cabello. En el centro de la obra, aparece una mujer apartada del resto. Lleva un largo vestido blanco y su cabello rubio también vuela al viento. Está sola. Será una novia a la espera de su prometido?
Una interpretación distinta propone que esta obra, como muchas de las de este artista, reflejan su preocupación por el tema de la soledad que aquí está representada por la mujer de blanco. O quizás por todo el grupo que en lugar de estar dentro de la vivienda están a la intemperie. De acuerdo con esta interpretación, la tormenta del titulo no es una real sino la que está en el interior de las protagonistas que aparecen solas y temerosas. El mismo Munch, que había tenido una niñez difícil y en este momento sufría de depresión y alcoholismo vivía en un estado de constante tormenta interior.
También noten que, desde las figuras espectrales sin pies ni rostros, hasta la calle vacía y la penumbra entre gris y violeta de esos días del verano escandinavo en los que nunca se hace totalmente de noche, nos sumerge en el enigmático mundo del Simbolismo.
MARTA
Las obras de Munch fueron bien recibidas en Noruega, su país, y el gobierno adquirió varias para la colección de la Galería Nacional. Además ganó premios estatales en 1888, 89 y 90 que consistían en fondos para continuar estudiando en Paris.
El pintor permaneció en la capital francesa por varios años más, y exhibió su trabajo en Alemania y Francia donde obtuvo cierta fama. En 1897 cuando tenia 34 años regresó a Noruega. Allí se asoció con intelectuales, poetas y artistas bohemios de ideas radicales decididos a denunciar la hipocresía de la sociedad burguesa que era super conservadora. En su modo de ver, el orden establecido en la sociedad estrictamente luterana de la Kristiania de la época no era mas que una manera hipócrita y falsa de esconder las inseguridades de la población, particularmente los miedos relacionados con la sexualidad y sus consecuencias. El asociarse con la vanguardia era en sí una forma de rebelarse en contra de esa sociedad, como lo era también involucrarse con todo tipo de mujeres con las que vivió turbulentos romances.
Uno de éstos fue con Tulla Larsen, la hija de un rico comerciante de vinos. Con ella estuvo comprometido por 4 años para después decidir que no quería casarse, y para escapar del compromiso se mudó a Alemania. Hasta allá lo siguió Tulla a quien él encontró en su propio cuarto de hotel, esperándolo desnuda sobre la cama. Nadie sabe bien qué paso, el caso es que en algún momento ella saco una pistola y aunque no llegó a mayores, él tuvo que someterse a una cirugía que le extrajo la bala que tenia incrustada en un hueso de la mano…! Esto fue el final definitivo del compromiso. El artista nunca se casó.
Munch siempre utilizó sus experiencias personales como inspiración y el dolor causado por sus relaciones afectivas con las mujeres no son la excepción. De joven, el pintor había sido abandonado por más de una mujer casada de quien se había enamorado.
NATANYA
Amor y dolor (aunque a veces se le conoce como Vampiro) es un tema que repitió tanto en pintura como en grabado. Una mujer que aparece cubierta nada mas que por su largo cabello rojo se inclina sobre el cuello del hombre completamente vestido que se hinca frente a ella.
El 22 de enero de 1892 Munch escribió en su diario que mientras caminaba con dos amigos a lo largo del puente sobre un fiordo, notó que de pronto, el cielo se tornó de color rojo sangre. En ese momento sintió un cansancio de muerte y mientras que sus amigos continuaron su camino, él se detuvo temblando de ansiedad y sintiendo como un alarido infinito atravesaba la naturaleza entera.
El lienzo, Estado de ánimo enfermo, Desolación, ahora en el Metropolitan de NY, presenta a un hombre de saco y sombrero, que mira hacia el mar desde la baranda de un puente mientras dos hombres se alejan de él. El cielo sobre la escena es de tonos rojos y amarillos. Un año mas tarde, pintó la que es ya una imagen icónica dentro de la historia del arte. La obra muestra una figura de forma alargada y ondulante, cubierta con una túnica negra. Se lleva las manos a la cara que más que un rostro humano parece una calavera con dos círculos por ojos, dos puntos por nariz y en el lugar de la boca, un óvalo. Está sobre un puente, que al estar pintado con pinceladas diagonales que nos hacen pensar que el piso se inclina hacia nosotros, parece alargarse hasta el infinito. Dos figuras más caminan en la distancia, noten que en contraste con las lineas rectas del piso, el paisaje que lo rodea está en movimiento constante. Miren como el mar en verdes y azules y el cielo, en naranjas y amarillos, están pintados con lineas ondulantes. Los colores son agresivos. Nada en esta escena está quieto, nada trasmite paz. Al contrario, todo en esta obra nos transmite una intensidad emocional casi insoportable. Y el gesto de la figura no necesita explicación porque al verlo de inmediato entendemos, sentimos el terror y la desolación del personaje que por cierto es el único que escucha el ensordecedor grito. Comparándola con ESTADO DE ANIMO ENFERMO DESOLACION, entendemos que esa nos muestra una escena real mientras que El grito es como una radiografía que nos permite ver mas allá del exterior.
MARTA
Existen 4 versiones de El grito en pintura y una litografía que el artista creó porque le interesaba profundizar en sus temas, además de experimentar con diferentes técnicas. La primera versión, pintada al óleo, tempera y pastel sobre cartón en 1893, así como la última, de 1910 y en témpera, se encuentran en la Galería Nacional en Oslo. También hay dos versiones al pastel: una de 1893 en el Museo Munch, Oslo y una de 1895 actualmente en una colección privada. Les cuento ésta ultima se vendió en 2012 por la cantidad récord de $120 millones de dólares. Esto la convirtió en la segunda obra más cara en la historia de las ventas por subasta hasta ese momento. La numero uno fue por décadas el Retrato del Dr Gachet de Van Gogh, a la que le dedicamos nuestro episodio #14
Munch pasó las ultimas décadas de su vida solo en su hacienda en las afueras de la capital. Desde ahí produjo además de pinturas y grabados, series de fotografías experimentales muy innovadoras e interesantes. Se volvió conocido en todo el mundo y su cumpleaños numero 80 fue motivo de homenajes. Al morir en soledad y sin descendencia el 23 de enero de 1944, las más de 1,000 obras que dejó en su casa pasaron a posesión del estado Noruego que las expuso en diferentes instituciones, y para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento en 1960, se inauguró el Museo Munch.
NATANYA
Las composiciones sencillas y al mismo tiempo tan efectivas de sus obras, la paleta de colores disonantes, y los temas de soledad, angustia y desesperación que abordan fueron de gran influencia para muchos artistas de la primera mitad del siglo XX. En especial los Expresionistas alemanes cómo Ludwig Kirchner y August Macke.
La obra de Edvard Munch rompió con los esquemas establecidos, se alejó del arte placentero que estaba de moda y creó un nuevo lenguaje expresivo para mostrarnos su propia manera de percibir el mundo. Y, aunque refleje su época y sus vivencias personales, su modo de sentir y expresar la experiencia humana es de gran vigencia en la actualidad.
Los dejo con unas palabras del artista. Abro comillas:
Queremos más que una simple fotografía de la naturaleza. No queremos lindos cuadros colgados en las paredes de un estudio de dibujo. Queremos crear, o por lo menos dejar las bases para crear un arte que le aporte a la humanidad, un arte que atraiga y cautive lo más profundo del corazón.
Estuvieron con ustedes Marta Gonzalez y Natanya Blanck. Gracias por su tiempo.
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